Tradução - Pose a Pose: Estilo vs Técnica (Dimos Vrysellas)

Encontrei esse post no blog/site do meu mentor na Class 2 do Animation Mentor Dimos Vrysellas. Ele já trabalhou em diversos estúdios, entre eles Dreamworks, Reel FX, Nelvana e atualmente na Redrover.

Gostei muito do que ele escreveu aqui sobre o método “pose a pose” e como mesmo em CG a maneira de animar deve ser a mesma da animação tradicional em 2D. Foi algo que eu aprendi enquanto estive na classe dele e acho que todo animador deveria saber. Ele começa o texto falando das diferenças entre o que é estilo e o que é técnica pose a pose, mas depois explica o que é realmente a técnica pose a pose. Então resolvi traduzi-lo para português para ajudar nos estudos do pessoal que não sabe inglês.

Logo no começo ele avisa que essas são apenas as opiniões dele. Mas creio que muitos animadores a compartilham. Com certeza alguns podem discordar, mas posso dizer que essa maneira de animar realmente impulsionou o meu aprendizado e me fez ver a animação de uma maneira diferente do que eu costumava.


Found this post on Dimos Vrysellas' blog/site, my mentor on Animation Mentor's Class 2. He worked for severall studios such as Dreamworks, Reel FX, Nelvana and is currently at Redrover.

I really liked what he wrote here about the “pose to pose” method and how even on CG the way of animating must be the same as traditional 2D animation. It was something that I learnt while I was in his class and I think every animator should know. He starts by talking about the differences between what is “pose to pose” style and what is “pose to pose” technique, but after he explains what really is the "pose to pose" technique. So I decided to translate it to portuguese to help on the studies of those here that don't know english.

On the original text, right on the beggining he warns that these are only his opinions. But I believe many animators share it. Certainly there will be some that will disagree, mas I can say that this way of animating really pushed my learning and made me see animation in a different way.


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Dimos Vrysellas - http://www.dimos.ca/

Texto original em inglês - http://www.dimos.ca/?p=205


Pose a Pose: Estilo vs Técnica


Estava conversando com meus alunos neste termo do AnimationMentor.com e percebi que MUITAS pessoas AINDA se confundem quanto às diferenças entre a técnica de animação “Pose a Pose” com o estilo de animação “Pose a Pose”. Embora possuam o mesmo nome são diferentes.


O estilo “Pose a Pose” descreve como a animação aparenta em sua forma final. Por exemplo desenhos do sábado de manhã, ou tipos de séries ou produções de animação mais gráficas, estilizadas e “limitadas”. Essas produções usam poses fortes e expressivas (subjetivamente falando é claro) e se mantém naquelas poses enquanto os personagens falam ou se expressam.


Essa maneira estilizada e snappy de animar é muito boa em ALGUMAS ocasiões e pode ser usada de vários maneiras com sucesso. Também ajuda a manter os custos de produção baixos por haver menos desenhos (ou key frames para CG) para se preocupar. Porém, muitas vezes esse estilo realmente não se transfere muito bem para um projeto de filme longa metragem pois o estilo pode causar um pouco de distração (ou tédio) em um formato longo. Fala a verdade.. você conseguiria se imaginar assistindo duas horas de Smurfs (série de tv dos anos 80 para os mais jovens)?? ARRRGGHHHH!


Nas mãos de um bom animador, a técnica de animar em “Pose a Pose” pode ser usada para criar QUALQUER tipo de estilo de animação que se deseje. Qualquer coisa desde um estilo “Pose a Pose” rápido e alternativo, até animação linda magnífica com fluidez como os filmes da Disney com os quais muitos de nós “Velhos” fãs de animação crescemos.


Se realmente pensarem sobre isso, verão que os animadores da Disney (assim como muitos animadores tradicionais passados ou atuais) já trabalhavam desta forma em animação (de uma maneira ou de outra) porque era a única forma de se trabalhar. Criando keys (poses) e breakdowns COMPLETOS em seus desenhos. Não havia nada desse negócio de criar “offsets” ou deixar partes do corpo em outros frames sem nenhuma conexão um com o outro para alcançar o que muitos “animadores 3D” chamam de overlap. Os animadores tradicionais eram “forçados” a pensar em animação de uma maneira eficiente, onde a maior parte ou todo o overlap, peso, quebra de ações, apelo e qualquer outra coisa que você pensar, seria desenhado em todas as poses e breakdowns que pudessem desenhar.


Então a técnica (pose a pose) tanto em produções tradicionais como CG, basicamente consiste em usar poses e breakdowns fortes e bem pensados para descrever o movimento por completo. Onde cada key tem todos os controles (e canais e atributos) do dado “personagem” gravados no mesmo frame (isto é, SEM offsets). Todo o overlap, peso, equilíbrio, fluidez, timing e spacing (e mais) deve ser “planejado” dentro dessas poses e breakdowns para que quando vamos para o processo final, refinado, dissecado e com inbetweens há menos coisas para se preocupar em termos de edição de grafícos/curvas no caso de CG. É claro que você deve controlar tudo e talvez ajustar algumas de suas poses e breakdowns quando se chega aos estágios finais. Ajustar algumas tangentes e suavizar, e controlar seus inbetweens, mas a maior parte do movimento já foi trabalhado em poses e breakdowns bem planejados. Não é preciso “pensar” tanto quando se chega aos estágios finais da animação. É uma maneira muito eficiente de trabalhar em um ambiente de produção. É mais divertido trabalhar desta maneira pois os animadores possuem um controle mais direto, tangível e natural sobre poses e animação. Também ajuda a manter as coisas consistentes com o processo de direção e críticas. ESPECIALMENTE em CG. Como eu sempre aprendi e repito a todos os meus alunos, estagiários, amigos na animação e qualquer outro que queira ouvir...


“Se não está nas suas Keys (e ou Breakdowns), então não existe!”


Eu sei que há ÓTIMOS animadores em CG que não utilizam esta técnica ao seu máximo (ou até mesmo não utilizam) mas por experiência própria esses talentos são a exceção à “regra”. Em minha experiência é mais fácil ensinar e UTILIZAR esta técnica do que qualquer outra e é a mais efetiva. Porque? Pois foi provado vez após vez. Animação (ou o processo de animação) já foi desenvolvido, criado e aperfeiçoado e eu não vejo uma NECESSIDADE de alterá-la devido à introdução do computador. Você não deve adaptar o meio para a ferramenta. É a ferramenta que deve se adaptar à arte e auxiliar os artistas. Sim, o computador tem realmente levado o meio de animação adiante, tecnicamente e “visualmente”, mas a forma de arte é praticamente a mesma. Tudo resume-se aos 24 frames por segundo, um frame de cada vez.